Mese: maggio 2014

GOOD BYE LENIN: COMMEDIA POLITICA SULL’AMORE MATERNO

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Berlino Est. Christiane (Katrin Sass), madre di due bambini piccoli abbandonata dal marito, per evitare il suicidio e uscire dalla depressione sposa totalmente gli ideali socialisti filosovietici della Repubblica Democratica Tedesca. Undici anni dopo, vittima di un infarto, va in coma per otto mesi perdendosi la caduta del muro, le libere elezioni, la riunificazione delle due Germanie e il capitalismo incessante. Al suo risveglio il figlio Alexander (Daniel Bruhl), onde evitare shock fatali, cerca di mantenere vivi i valori della Repubblica Democratica almeno nella stanza della madre, trasformando presto i ricordi in un mondo ucronico in cui avrebbe voluto vivere.

Questa commediola tedesca di Wolfgang Becker del 2003, vincitrice del premio Miglior Film Europeo al Festival di Berlino e di 3 European Film Awards, ha un grande pregio: saper dosare benissimo le forti tematiche politiche, che vanno dal concetto di Ostalgia (sentimento di nostalgia che colpì gli abitanti dell’ex Germania Est dopo la riunificazione) alla voglia di libertà alla necessità di occidentalismo, con il sentimentalismo di cui è impregnata l’opera fin dalle prime scene. È un film sull’amore materno in ogni sua forma: l’amore per la madre Christiane da parte del figlio Alex, ma anche l’amore di entrambi verso la madre patria e i suoi ideali che mantengono vivi con la memoria (la prima) e con la menzogna (il secondo). Ottime le interpretazioni, con un Daniel Bruhl ancora lontano dai fasti di Bastardi senza gloria e Rush ma già convincente; un po’ troppo esagerata la costante metafora del passaggio, più volte ripresa durante la pellicola e, ad un certo punto,ridondante: vi è un passaggio di Alex dall’adolescenza pesante e triste alla maturità e all’amore per l’infermiera Lara (simboleggiati dal viaggio nello spazio del suo eroe); vari passaggi di Christiane, donna con segreti, dalla depressione al socialismo al coma ad un mondo diverso. Tanti riferimenti a Kubrick, da Arancia Meccanica a 2001: Odissea nello spazio (anche nominato e ennesima sottolineatura della tematica del passaggio), ma anche uno straordinario omaggio a Kieslowski, di cui viene riproposta la colonna sonora di Film Blu durante la visita dei bambini all’ospedale psichiatrico. Famosa la scena della statua di Lenin che guarda negli occhi Christiane; gli ho preferito i fittizi servizi giornalistici dell’esilarante cinefilo Denis. Uno dei più grandi incassi della storia del cinema tedesco.

 

Matteo Chessa

GOMORRA: QUANDO LE POLEMICHE OFFUSCANO LA QUALITA’

Tv: 'Gomorra - La serie'; dal 6 maggio debutta su Sky Atlantic

Volevate la polemica? E polemica fu! Proviamo a smontarla così ci togliamo subito questo peso. L’accusa più accesa rivolta  a Gomorra- La serie (figlia dell’omonimo film di Garrone) è che rappresenta un prodotto diseducativo perché mitizza colpevolmente i camorristi, i loro comportamenti amorali e il sistema di cui fanno parte. Questa teoria può essere ridicolizzata da due fattori egualmente rilevanti:

1) LA PARZIALITA’ DELL’ANALISI DI CUI SOPRA. Come mai infatti non vengono allora presi in considerazione tutti quei capolavori del cinema dallo Scarface di Howard Hawks al Carlito di Brian De Palma che effettivamente mitizzano il ruolo del gangster o del fuorilegge (a questo punto nell’analisi potrebbero essere inseriti anche numerosi western)?

2) LA PROBABILE MANCATA VISIONE DEGLI EPISODI. Ebbene sì: chiunque abbia fomentato le critiche lo ha fatto a priori, senza la decenza di vedere almeno una singola puntata. Perché, se il finto spettatore si fosse preso la briga di farlo, avrebbe notato che l’intento di Saviano (non proprio l’ultimo arrivato) e Sollima è invece strettamente in opposizione al processo della temuta mitizzazione. Ciò che colpisce veramente in Gomorra- La serie non è tanto l’opulenza della vita agiata dei criminali, né la maestosità del potere dei boss quanto piuttosto la dolorosa perdita dell’umanità che nei soldati dei clan è ormai solo un ricordo legato all’infanzia, la sofferenza per la morte di un amico ma soprattutto la paura che non abbandona mai i protagonisti ma li pedina costantemente e li attende al varco.

In Italia, quando ci mettiamo d’impegno, le serie le sappiamo realizzare. Boris, Romanzo Criminale e ora Gomorra. Su Gomorra si è discusso di tutto fuorché della qualità effettiva della serie. A tal proposito mi piacerebbe che per una volta si parlasse dell’ottima sceneggiatura di Saviano, della buona regia di Sollima (già apprezzata in Romanzo Criminale) che raggiunge il suo apice nella costruzione dei montaggi alternati (splendido quello del carcere) e delle convincenti interpretazioni degli attori (a partire dal protagonista Marco D’amore a Fortunato Cerlino, il terribile boss Savastano). Perché bisogna sempre fare polemiche futili invece che godersi uno dei pochi prodotti validi della nostra terra? Gomorra-La serie intanto è già stata venduta in cinquanta paesi.Sarà un caso? Io non credo.

Francesco Pierucci

SHONAN JUNAI GUMI: IL TRIONFO DELL’IGNORANZA ALLO STATO PURO!

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Carissimi disoccupati, sono qui oggi per parlarvi di uno dei manga più ignoranti che siano mai stati partoriti da un mangaka. La leggendaria opera del maestro Toru Fujisawa interamente dedicata al mondo dei Bōsōzoku, i tamarrissimi moto-teppisti nipponici. Spolverini da kamikaze, ultraviolenza, folli corse in moto, tuning indecente, allusioni sessuali, stupri e incidenti mortali, questi sono alcuni degli elementi che caratterizzano quest’opera altamente adrenalinica.

La vicenda si svolge nella regione costiera di Shōnan e segue le gesta di due sedicenni, Eikichi Onizuka e Ryuji Danma, che entrati al liceo sperano finalmente di liberarsi della loro verginità. Animati dal più puro spirito goliardico, interessati a divertirsi ad ogni costo, spacconi ed impulsivi si troveranno coinvolti in una serie di guerre tra licei e scontri tra bande. Scontro dopo scontro, diventeranno famosi come il duo Onibaku di Shonan e la loro fama si estenderà in tutta la regione attirando teppisti di ogni sorta interessati al titolo del “più forte di Shonan” lasciato vagante dal mentore di Onizuka, l’imbattibile Kyousuke Masaki. Facendo amicizia con compagni di liceo e nemici sconfitti gli Onibaku si trasformeranno in una banda sempre più famosa e numerosa rendendo la situazione sempre più instabile. L’escalation di violenza e follia porterà questi ragazzi dal cuore nobile a crescere e maturare comprendendo la stupidità del loro stile di vita.

Esatto amici miei, vi sto proponendo un’opera che parla di problemi adolescenziali e crescita perché Shonan Junai Gumi è proprio questo. Racconta i primi sogni, i primi amori e le prime delusioni, i dubbi e le incertezze della spensierata gioventù, la maturazione e la presa di coscienza, le prime grandi sfide della vita. E se leggendo queste ultime righe vi si sono seccati i testicoli non spaventatevi perché gli insegnamenti e le morali non verranno colti dopo esperienze altamente emotive e sentimentali ma tramite risse che vedono lampadine infilate in bocca e spaccate con un pugno, mattonate in testa, colpi di catena di moto in faccia, coltellate, pistolettate, ossa rotte, incidenti in moto, ragazze violentate e nemici cosparsi di benzina e incendiati. Perciò consiglio a tutti quest’opera memorabile, che ho letto e riletto decine di volte, edita da Dynit in 15 volumi, disponibili in ogni buona fumetteria, un saluto.

 

L’Obeso barbuto

UN REGISTA, TRE FILM: JOHN CARPENTER

Regista, sceneggiatore, produttore, montatore, compositore, attore: John Carpenter lavora nel cinema a 360 gradi e sfrutta la settima arte per raccontare storie di anti-eroi e criticare, velatamente, la società americana. Qui propongo i tre film che preferisco del cineasta di Carthage

 

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HALLOWEEN

Terzo lungometraggio del regista, che dopo la commedia Dark Star e il thriller Distretto 13, si cimenta col genere slasher (facendo l’occhiolino ai lavori di Mario Bava). Michael Myers, bambino disturbato, uccide la sorella durante la notte di Halloween e viene rinchiuso in manicomio. Nella stessa notte, quindici anni dopo, evade dalla struttura e si reca nella città natale. Le sue vittime saranno gli abitanti della sua vecchia cittadina. Produzione a basso costo, stile minimalista, inquadrature spaventose e una sottile ironia nella sceneggiatura che sarà alla base dei suoi lavori successivi. La scena iniziale con la soggettiva di Michael che indossa la maschera e uccide la sorella è strepitosa.

 

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GROSSO GUAIO A CHINATOWN

Forse il migliore del regista, insuccesso commerciale all’uscita, cult movie negli anni. C’è tutto Carpenter, dallo stile ironico ai rimandi a vari generi cinematografici (horror, gongfupian, love story, fantascienza). Kurt Russell, attore feticcio del regista, in piena forma, antagonisti irresistibili (uno di loro ha ispirato il personaggio di Ryden di Mortal Kombat). Da piccolo dopo averlo visto volevo diventare camionista.

 

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FUGA DA NEW YORK

Jena Plissken (Kurt Russell), prigioniero e condannato alla pena capitale, viene scelto dal commissario Bob Hauk (Lee Van Cleef) per entrare nel carcere di sicurezza, ex città di New York, e salvare il presidente degli Stati Uniti (Donald Pleasence), precipitato in città e in mano ai malavitosi. Cast d’alto livello, che vanta oltre ai citati anche Ernest Borgnine e Harry Dean Stanton, sceneggiatura spumeggiante e una ricostruzione distopica della New York del 1997 memorabile. Jena è un personaggio ammirevole, ma il Bob Hauk di Lee Van Cleef, cattivo ma onesto, ruba il cuore.

 

Matteo Chessa

TOP 10: I MIGLIORI FUTURI NEI FUMETTI

Da grande, grandissimo fan del film “Back to the Future” mi sono sempre interrogato sui viaggi nel tempo, le loro conseguenze sulla nostra vita, sulla possibilità che una mia scelta non presa abbia generato un altro Me in un’altra realtà. Come ci hanno abituato cinema e fumetti sarebbe possibile; i Comics sono zeppi di versioni future di Batman, degli X-men, di visioni di un’America diversa! Ecco quelli che, per me, sono i 10 futuri più accattivanti, e non entrerò nel merito di singoli prodotti fumettistici, solo il contesto in cui le storie si sviluppano! (le due saghe Marvel “Days of Future Past” o “Old Man Logan” sono già state citate in altri articoli quindi saranno tralasciate).

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KINGDOM COME

Un mondo cupo, una terra irriconoscibile, come i suoi eroi (quelli DC). Superman si è dato all’agricoltura a tempo pieno, Flash ha raggiunto una velocità tale da non potersi mai fermare completamente, Batman è mezzo paralizzato e pattuglia Gotham con i suoi Bat-Robottoni. In più è in azione un esercito di super esseri che manca di morale, addestramento e costumi fighi… solo una super prigione ideata dalla rinata JLA potrà salvaci.

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HOKUTO NO KEN

“Un conflitto mondiale alla fine del Ventesimo Secolo ha comportato il collasso della moderna società e alla più totale devastazione ambientale. I sopravvissuti all’olocausto nucleare sono ridotti a vivere in piccoli assembramenti urbani in oasi in mezzo al deserto, assediati da bande di predoni e mutanti, che saccheggiano e distruggono tutto ciò che incontrano. In questo scenario si muove Kenshiro, 64mo successore della Divina Scuola di Hokuto”.

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2000 AD

Mega City One è la metropoli circondata da un deserto radioattivo, governata da un corpo di poliziotti chiamati Giudici, che operano contro il crimine con enorme autorità e forti del triplo potere di giudici (appunto), giuria e boia. In questa città, i crimini non mancano di certo, i disoccupati si scagliano contro i loro rimpiazzi robotici e gli appartamenti vengono montati o sostituiti uno sopra l’altro come nei LEGO.

 

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SPIDER-GIRL

Uno sport molto diffuso in casa Marvel è sfruttare a più non posso il nome dell’Uomo Ragno, e quasi sempre sono tutti prodotti scadenti. Mi sono quindi avvicinato solo tardi a questo personaggio ma poi ho scoperto che è davvero la futura figlia di Peter Parker: ovvero il sogno di ogni fan: poteri da ragno e curve da Top Model (la mamma è Mary Jane).

 

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V FOR VENDETTA

Il simbolo dell’anarchia in tutto il mondo, la sua maschera copre il volto di milioni di sfigati su YouTube e il suo logo è stato adottato anche da dubbi partiti politici: è Evey Hammond. Il personaggio V promuove la rivoluzione nell’Inghilterra del suo tempo, dove la democrazia e l’amore sono stati dimenticati… uno di qui fumetti che ti porta a pensare che, forse, far saltar tutto in aria, a volte, non è una cattiva idea.

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AKIRA

Katsuhiro Otomo ha ridisegnato, negli ’80, l’immaginario dei lettori di tutto il mondo, e ha tenuto il naso di molti incollato alle pagine con la sua meravigliosa Neo-Tokio, ricostruita dopo un’esplosione nucleare, con le corse in moto e con la storia d’amicizia tra Kaneda e Tetsuo.

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HULK, FUTURO IMPERFETTO

Hulk ha realizzato di usare la sua forza per conquistare il mondo. Tra qualche anno avrà la barba, sarà intelligente, diabolico e si farà chiamare Maestro. STI CAZZI!

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Y THE LAST MAN

Essere l’unico maschietto in un mondo popolato da sole donne deve essere una figata! E invece no, perché saresti l’unico portatore di una malattia che colpisce solo gli uomini e saresti cacciato da ogni donna per poi essere vivisezionato in nome dell’interesse scientifico; è il caso del nostro eroe Yorick.

 

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KAMANDI

Leoni, Tigri e Orsi dominano il mondo distrutto dalle radiazioni, e l’unica speranza per gli uomini stipati nei bunker sotterranei è un ragazzo biondo! Jack Kirby prende spunto da Planets of the Apes ma lo arricchisce con più orrori e morti.

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CODE GEASS

Presente il concetto di “ucronia”? No, ok! Per farla breve: la storia come noi la conosciamo può andare diversamente da come l’abbiamo studiata, e allora Nixon scampa al Watergate o l’Asse vince la seconda guerra mondiale oppure, come raccontato in questo manga (l’anime è di gran lunga meglio), Napoleone scaccia la monarchia inglese dall’Europa. Il Regno Unito si trasferisce nelle colonie d’oltre oceano per poi diventare una super potenza dopo qualche decennio; e nel 2010 arriva ad avere 11 colonie tra i suoi domini, l’ultima il Giappone che viene annesso dopo una guerra combattuta con esoscheletri da combattimento (un classico) che schiacciano le antiquate difese giapponesi. Nasce l’Area 11.

 

Pietro Micheli

LA VERA VITA DI 5 STARS DEL CINEMA

Troppe volte noi persone comuni ci ritroviamo a pensare e a invidiare personaggi famosi, proviamo a immedesimarci nei loro panni e fantastichiamo sulle loro vite meravigliose senza sapere realmente come queste siano. Da quando scrivo per Il Disoccupato Illustre, scopro cose che prima non potevo minimamente immaginare, cose che le star di tutto il mondo cercano di tenere preziosamente nascoste. Sono riuscito a venire a conoscenza di cinque storie, spetterà a voi poi se prenderle per serie o meno, ma sicuramente cambieranno drasticamente l’immagine delle persone che citerò, mostrandovi come non è tutto oro quel che luccica.

 

MORGAN FREEMAN E I SUOI PROBLEMI DI ONNIPOTENZA

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Partiamo forte con un attore del calibro di Morgan Freeman, che ha fatto la storia del cinema mondiale, ma che da qualche anno ormai non è più visto di buon occhio dalla maggior parte delle persone che lo frequentano visto la sua convinzione di essere Dio. Testimonianze raccontano che vada in giro, vestito unicamente di bianco, scalzo e con la barba incolta pronto a giudicare e se di buon umore perdonare, tutte le persone che incontra, dal postino al commesso del mini-market. Nessuno si salva dalla sua furia. Diversi sono stati i tentativi dei parenti per fargli capire la sua follia, diversi psicologi si sono imbattuti in lui, ma più gli si va contro più la sua mania di onnipotenza aumenta, i suoi tentativi di fare miracoli diventano sempre maggiori e infuriato prova a scagliare contro chiunque fulmini e saette.

 

RUSSELL CROWE E IL LANCIO DEI MOBILI DALLA FINESTRA

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Nessuno sa che la casa di Russell Crowe è completamente spoglia di arredi; gli unici che si possono trovare in casa sua sono un paio di sacchi a pelo, due quadri e uno stendino per la roba appena lavata. In pochi sanno il motivo di ciò. Vi ricordate quando in A Beautiful Mind in una famosa scena Russell, in preda alle allucinazioni, lanciò via dalla finestra una scrivania? Da quel momento, quella sensazione per lui è diventata una droga, tanto che la moglie è disperata ,visto che si vede lanciare dalla finestra qualsiasi mobile, elettrodomestico e oggetto compri. I vicini hanno visto volare dalla finestra del secondo piano di tutto e di più, dai frigoriferi alle lavatrici, scrivanie, armadi e ferri da stiro. Anche il team di Extrteme Makeover Home Edition ha provato a sistemare questa situazione, ristrutturandogli la casa da testa a piedi ma con conseguenza che questa volta dalla finestra è volato il presentatore.

 

JOHNNY DEPP E LA SUA MANIA DEL SELFIE

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Quando immaginate Johnny Depp, sicuramente non pensate che ogni mattina, quando si sveglia, il suo primo pensiero non va magari alla donna che gli sta accanto nel letto, ma unicamente a Tim Burton; subito dopo infatti, prende il cellulare, si sistema la chioma, fa una faccia da rincoglionito e si scatta un selfie. Milioni e milioni di selfie ogni giorno vengono scattati da Johnny Depp, tutti inviati istantaneamente al suo fido amico regista, che tra le tante foto sceglie la faccia più brutta per poi prendere ispirazione per farci un film. Da quando la moda dei selfie è divagata nel mondo, anche per Johnny Depp la situazione è peggiorata alla grande, la situazione gli è sfuggita di mano; non vi è momento in cui non si immortali con l’autoscatto. Questo lo porta a essere sempre distratto qualsiasi cosa lui stia facendo. Ha già causato 12.978 incidenti in macchina, 4 crolli di edifici, 78 nasi rotti e 95 case incendiate per fughe di gas mentre cucinava e tante altre piccole disavventure.

 

JIM CARREY E I SUOI FANS

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Nonostante da un po’ di tempo di Jim Carrey si senta sempre meno parlare, i suoi fans di certo non si sono dimenticati di lui. Essendo uno degli attori più amati dal pubblico di tutto il mondo, questo gli ha comportato pregi e difetti come dimostrano alcuni comportamenti dei suoi fans. Da circa 14 anni, da quando usci Io, me e Irene, diversi fans mostrano il loro affetto imitandolo nella sua famosa scena di quando, preso dalla follia, andò a fare i suoi bisogni nel prato del vicino, con l’unico particolare che i fans lo fanno nel suo di giardino. Puntualmente milioni di persone, ogni mattina, si recano a defecargli il giardinetto immortalandosi con tantissime foto ricordo. Ormai Jim Carrey si è rassegnato a tale situazione, riuscendo anzi a trarre da ciò anche una sorta di business, facendo pagare 4$ a persona per defecargli il prato.

 

CHRISTIAN BALE E I SUOI PROBLEMI DI PESO

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Uno dei migliori attori di questi ultimi anni, che ha donato al mondo perfomance fantastiche, abituando il pubblico a cambiamenti drastici del suo aspetto, adesso sta facendo i conti con questa sua mania di variare la massa corporea. Il povero Christian Bale ormai è costretto ad andare a dormire ogni notte sapendo che l’indomani si potrebbe svegliare diverso, ritrovarsi di colpo da anoressico a obeso e viceversa. Questo problema sta rendendo la vita impossibile all’attore, impedendogli di fare qualunque cosa. Anche la scienza e i migliori medici non sanno come spiegare questo fenomeno, non rimane altro che provare a rivolgersi a Morgan Freeman

Adesso, dopo aver letto queste pazze storie, sono sicuro che prima di dire che la vostra vita fa schifo ci rifletterete due volte.

 

Salvatore Sau

 

“LUPIN III: LA DONNA CHIAMATA FUJIKO MINE” ANCHE I CARTONI ANIMATI POSSONO CRESCERE…

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Carissimi disoccupati, sono qui oggi per parlarvi di uno degli anime che ritengo tra i più soddisfacenti degli ultimi anni, lo spin-off del mitico Lupin dedicato interamente al personaggio di Fujiko Mine. Se come me, siete cresciuti ammirando le gesta del leggendario ladro gentiluomo, non potrete perdervi assolutamente quest’opera che da finalmente il giusto peso ad uno dei personaggi più sexy della nostra infanzia.

Ammirare la bellissima Fujiko nuda ogni dieci minuti sarebbe già un motivo sufficiente per dedicare un po’ di tempo a quest’opera che conta solo 13 episodi, ma vi dico in assoluta sincerità che anche escludendo il fattore tette, merita veramente di essere vista. Dimenticatevi le atmosfere tipiche delle serie e dei lungometraggi di Lupin, scordate l’ironia e non storcete il naso davanti al disegno nettamente diverso dal solito. Questa è un’opera matura e aspra, in cui i protagonisti vengono caricati d’uno spessore tutto nuovo più ampio e buio diventando più umani, terreni e disillusi.

L’impatto ai primi episodi è strano. Lo si guarda sperando di godersi un nuovo capitolo del cartone dell’infanzia, ricercando la semplicità, la comicità e  la spensieratezza che si provavano dopo una giornata di scuola ai tempi che furono.  Si resta infastiditi dalla totale diversità di quest’opera che però, episodio dopo episodio, riesce ad affascinare, intrigare e conquistare. È un cambio di prospettiva su dei personaggi ormai divenuti un ricordo prezioso delle nostra infanzia. La serie originale li mostrava come visti da un bambino, questa invece mostra il lato grigio tendente al nero che caratterizza loro e la vita che portano avanti. Anche la trama è all’altezza della situazione, capace di caricare il passato della protagonista di un alone di mistero sempre più cupo e opprimente, rendendo un bisogno irresistibile la visione degli ultimi episodi.

Vi invito tutti a godervi questo anime stupendo esortandovi a non perdere fiducia davanti all’impatto iniziale perché sicuramente riuscirà a conquistarvi. Se poi non lo farà avrete sempre ammirato una vagonata di tette che alla luce dell’inutilità delle nostre vite da fancazzisti rende possibile classificare il tempo speso come altamente produttivo. Un saluto

 

L’Obeso barbuto

TWIN PEAKS: 10 CURIOSITA’ SULLA SERIE CULT CAPOSTIPITE DI MOLTI PRODOTTI ODIERNI

Prodotto dalla ABC, uscito in America nell’Aprile del 1990, capace di tenere incollati davanti al piccolo schermo 11 milioni di spettatori a puntata, esportato in tantissimi paesi col medesimo successo (in Italia venne mandato in onda su Canale 5), Twin Peaks può giustamente essere considerato il capostipite di molti prodotti seriali americane di successo dei giorni nostri (mi viene in mente Criminal Minds ma la lista è lunga). Nata dall’incontro creativo tra David Lynch, regista cinematografico e pittore, e Mark Frost, regista e sceneggiatore televisivo, ruota intorno all’omicidio di Laura Palmer, giovane e bella ragazza di Twin Peaks (cittadina montana dello stato di Washington, a cinque miglia dal confine col Canada), su cui indagano lo sceriffo locale Harry S. Truman (Michale Ontkean) e l’agente del FBI Dale Cooper (Kyle MacLachlan). Presto i due capiranno che la tranquillità del paese è solo una facciata che nasconde segreti, minacce e pericoli, e che in realtà a Twin Peaks nessuno è come sembra.

Per evitare, con una possibile analisi della serie, di rovinare la visione a chi ancora non l’ha guardato, propongo invece 10 curiosità sul telefilm; 10 notizie che magari non conoscete.

 

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THE GODDESS

Mark Frost contattò Lynch per collaborare ad un progetto su Marylin Monroe. Molti sostengono che The Goddess (questo il titolo della serie) non si sia mai realizzata perché il regista di Missoula si sia affezionato a Twin Peaks; in realtà Lynch ha più volte sostenuto che alla ABC, leggendo il nome del loro presunto assassino di Marylin, abbiano stracciato il copione spaventati. Lynch non ha mai rivelato il nome a cui lui e Frost erano arrivati con le loro ricerche.

 

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IT IS HAPPENING AGAIN

Il gigante del telefilm è interpretato dall’attore Carel Struychen, famoso per il ruolo di Lurch ne La famiglia Addams. Il nano che Dave Cooper vede nel suo sogno presenzia, oltre che nel prequel della serie Fire walk with me, anche nel capolavoro di Lynch Mulholland Drive, che inizialmente doveva essere una serie per la ABC (il pilota finiva con la sparizione delle due ragazze dopo il Club Silencio).

 

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RIFERIMENTI

Non si contano le citazioni di Twin Peaks nei vari prodotti artistici successivi alla serie; da How I Met your Mother ai Simpson le parodie e i riferimenti si sprecano. Anche la Bonelli ha omaggiato la serie cult dedicandogli due albi di Dylan Dog, I segreti di Ramblyn (n.64) e il seguito La belva delle caverne, che presentano molte analogie con la serie.

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FLIRT

È famoso il flirt nato durante le riprese tra Kyle MacLachlan (ag. Cooper) e Lara Flynn Boyle (Donna); in pochi sanno invece che Jack Nance (Pete) era sposato con Catherine Coulson (Margareth, la signora del ceppo).

 

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MIX DI ATTORI

Affianco ad attori professionisti ed affermati (oltre a Kyle MacLachlan mi viene in mente Piper Laurie) recitano numerosi esordienti, alcuni dei quali improvvisati attori per necessità: Harry Goaz (Andy), Eric Da Re (Leo Johnson) che era stato assunto per il montaggio del set, ma anche Catherin Coulson (la signora del ceppo), conosciuta da Lynch ai tempi di Eraserhead e segretaria di produzione. Curiosa la presenza di Austin Jack, primogenito del regista, allora di 8 anni, nel ruolo del nipote mago di una vecchietta.

 

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LOCATION

In un’intervista Lynch ha rivelato che la location della serie deriva da un’opera di Marcel Duchamp  esposta al  Philadelphia Museum of Art che era solito visitare quando abitava lì. Il titolo è Dati: 1) La cascata 2) Il gas illuminante.

 

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MADELEINE

Per il ruolo della cugina di Laura, Madeleine, giunta a Twin Peaks per tenere compagnia ai coniugi Palmer dopo la morte della figlia, Lynch ha scelto Sheryl Lee, la stessa attrice che interpreta la defunta. Il nome della cugina nasconde però una citazione, rimandando al capolavoro di Hitchcock Vertigo in cui Kim Novak, bionda che muore e poi riappare mora, si chiama appunto Madeleine.

 

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TOH, CHI SI VEDE…

Molti gli attori conquistati da Twin Peaks che hanno partecipato alle riprese. Da David Duchovny, futura stella di X Files e Californication, a Billy Zane, modello a antagonista di Titanic (tra le altre, nella puntata in cui compare Zane vi è anche una battuta ripresa nel film di Cameron “preferisco essere la sua puttana che tua moglie”.. plagio o coincidenza???), passando per David Warren, attore britannico (anche lui presente in Titanic e, guarda caso, anche lui esordiente nella puntata di Billy Zane… mah). Inoltre anche i creatori della serie hanno due parti: Mark Frost compare fugacemente nel ruolo di un video-reporter, David Lynch interpreta il supervisore sordo dell’agente Cooper, Gordon.

 

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BADALAMENTI

Angelo Badalamenti, compositore (con Lynch) della colonna sonora, impiegò solamente venti minuti per creare la sigla della serie TV. Lynch gli disse “complimenti, hai creato il 75% di Twin Peaks” . Col Twin Peaks theme vinse un Grammy.

 

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KILLER BOB

Simpatico e fortunoso il modo in cui Lynch scovò Frank Silva, attore che personifica Killer Bob nella serie. Mentre sistemava degli specchi sul set durante l’episodio pilota, vide riflesso il volto di Silva, scenografo occasionale, e si spaventò a morte. Passata la paura lo scritturò. Silva è morto di AIDS nel 1996, quello di Twin Peaks è il suo unico ruolo.

 

Matteo Chessa

OGNI TANTO ALLA DC NE FANNO UNA GIUSTA: ALL STAR SUPERMAN

Tralasciando i lavori importantissimi di gente come Miller, Moore o addirittura Ross (questi disegnatore), che di DC hanno solo il logo in copertina e i volti noti del parco personaggi… si contano sulla punta delle dita le opere “autoprodotte” dell’editore statunitense. Una di queste è senza dubbio alcuno “All Star Superman”. La storia è molto semplice, Superman rivela la sua identità a Lois Lane e da questa scintilla parte un incendio di situazioni strane, personaggi assurdi e viaggi nel tempo.

L’opera che vi segnalo è composta da 12 volumi, usciti singolarmente dal 2005, ad opera di Grant Morrison e Frank Quitely, ed è la somma di un po’ tutto il lavoro di Morrison su Superman nel corso di parecchi anni.

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Tutto quello che avviene in “All Star”, dicevo, ha avuto avvisaglie già nel 1998, quando Morrison scriveva su “JLA”. Nel evento DC One Million lo scrittore si era prefissato di iniziare a ufficializzare una cronologia di massima di quello che sarebbe stato il futuro degli eroi. In questo incontro tra la Justice League degli anni ’90 e la versione futura spiccava sicuramente il discendente di Kal-El… personaggio che ritroveremo far visita al nostro Uomo D’Acciaio nella storia in esame.

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Un altro tema sviscerato da Morrison nelle sue precedenti storie è la visione divina di Superman, ma a differenza di altre versioni, come quella di “Kingdon Come” vendicativa o la forza della Natura ritratta in “The Dark Knight”, in All Star Superman si vede come il carattere e la bontà di Superman permettano al kriptoniano di innalzarsi sopra gli uomini e ispirarli, e non è forse questa la missione che ricevuto Kal dal padre biologico?

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Morrison fu anche nel team che nel 1999 si trovò a riscrivere le origini “ufficiali” degli eroi DC e distaccarsi dalle versioni nate sul finire degli anni ’80 conseguenti dalla grande purga che fu Crisi sulle Terre Infinite. Il progetto naufragò presto ma in “All Star” si può trovare, a parere di chi scrive, l’abbandono delle dinamiche soap opera che caratterizzarono la gestione Byrne, e la volontà di tornare alle storie piene di meraviglia, e da un ripartire dal originale “scienza di Superman”. Se durante la Silver Age il sole ha trasformato Clark in Superman, nel opera di Morrison il sole trasforma Supeman in un essere divino a veglia del genere umano.

 

Pietro Micheli

UN REGISTA, TRE FILM: KIM KI-DUK

Primo appuntamento con la nuova rubrica Un regista, tre film, nata con l’intento di sviscerare la poetica di un autore attraverso i suoi tre lungometraggi (soggettivamente) più significativi. L’esordio della rassegna non poteva che essere dedicato al mio regista preferito, il maestro del cinema sudcoreano Kim Ki-duk. Andiamo a scoprire assieme quali sono i film che mi hanno fatto innamorare dell’ex pittore, ex predicatore, ex militare nonché cineasta autodidatta di Bonghwa.

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BAD GUY

Han-ki è un criminale che gestisce un giro di prostituzione nel quartiere a luci rosse di Seul. Un giorno camminando per strada viene attratto dalla studentessa Sun-hwa e decide di baciarla davanti al suo ragazzo. Dopo l’intervento delle forze dell’ordine, la ragazza lo umilia pubblicamente e così Han-ki progetta un’atroce vendetta: con uno stratagemma machiavellico infatti mette Sun-hwa con le spalle al muro e la costringe a prostituirsi per lui.

Inserito tra due opere di stampo prettamente sociale (Address Unknown e The Cost Guard), Bad Guy segna il ritorno di Kim Ki-duk a un tipo di cinema che gli è più congeniale e che raggiungerà il suo massimo splendore con Ferro 3- La casa vuota.  Nelle opere di Kim Ki-duk quasi tutti i bad guys sono in qualche modo delle vittime ma solo alcuni di loro poi si trasformano effettivamente in carnefici (solitamente sempre uomini, eccezion fatta per Hee-jin de L’isola): in entrambi i casi il rapporto che si viene a creare tra gli aguzzini e i prigionieri, tra gli uomini e le donne è un rapporto di estrema dipendenza esistenziale in cui la sofferenza, mai fine a se stessa, non allontana i protagonisti ma finisce per fortificarli ancor di più. E lo stesso vale per Han-ki e Sun-hwa che, nella scena più bella del film, incarnano la versione asiatica dei Travis e Jane di Paris, Texas.

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DREAM

Jin è un intagliatore di timbri che una notte sogna di fare un incidente con la propria auto. L’esperienza è così realistica che l’uomo si reca sul posto per scoprire che l’evento è realmente accaduto e che è stato causato dalla sarta Ran. In seguito alla visita di una psicologa, i due estranei si renderanno conto che tutto ciò che sogna Jin, la ragazza lo realizza da sonnambula per poi svegliarsi senza alcuna memoria. 

Il quindicesimo film del regista sudcoreano rappresenta l’anello di congiunzione tra la fine del periodo più poetico della sua filmografia (da Crocodile a Time) e l’inizio di una nuova fase maggiormente sperimentale (Arirang, Amen, Pietà, Moebius). Kim Ki-duk si interroga ancora una volta, dopo Real Fiction e Ferro 3, sulla contaminazione tra mondo reale e onirico ma questa volta lo fa dichiaratamente, scegliendo una storia che parla di sogni e delle loro conseguenze sull’amore. Dream sarà oltremodo importante per l’autore perché a causa di un incidente che rischierà di uccidere la protagonista, Kim Ki-duk affronterà un periodo di profonda depressione che verrà poi narrato in Arirang. La scena del sogno comunitario e della liberazione finale sono i punti più alti di questa splendida pellicola.

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FERRO 3-LA CASA VUOTA

Tae-suk è un giovane che trascorre le sue giornate abitando case momentaneamente abbandonate che usa per mangiare e dormire e che cura con estrema perizia. Un giorno penetra nell’abitazione di Sun-hwa, un ex-modella che viene picchiata quotidianamente dal despotico marito: Tae-suk decide così di punirlo per le sue malefatte e Sun-hwa, che ritrova nel ragazzo la sua stessa solitudine, comincerà a seguire il suo lungo peregrinare attraverso i quartieri di Seul.

Leone d’Argento alla 61ma Mostra del Cinema di Venezia, Ferro 3-La casa vuota  è l’opera che consacra definitivamente la poetica del regista sudcoreano, impreziosita da immagini pittoriche e modellata sui solitari silenzi dei protagonisti che da sempre sono l’unica forma di comunicazione possibile in un universo in cui le assenze incidono più delle presenze. È tutta rinchiusa in questo concetto la grande metafora esistenziale del film di Kim Ki-duk: solo l’immaginazione, ovvero lo strumento meno sfruttato da una società sempre più logorroica e autodistruttiva, è in grado di oltrepassare i limiti invalicabili (o le soglie di case disabitate) dell’opprimente statuto di realtà per cercare di raggiungere ciò che più le interessa ovvero la forma ultima dell’amore. La bilancia che segna zero: il peso della libertà, o forse della morte. L’immagine sublima e si dissolve in un amore senza tempo mentre la comparsa della frase che recita Difficile dire se il mondo in cui viviamo sia una realtà o un sogno obbliga chi guarda a un silenzio inevitabile, ancora più profondo di quello dei due protagonisti. Indubbiamente il mio film preferito.

DA SEGNALARE: Primavera, estate, autunno, inverno… e ancora primavera, Soffio, La samaritana, Pietà.

Francesco Pierucci