TOP 5: I MIGLIORI B/N NELL’ERA DEL CINEMA A COLORI  

Forse influenzati dalla differente e più familiare esperienza del colore nella televisione italiana, si è soliti pensare che vi sia stato una netta cesura tra l’era del cinema in bianco e nero e la successiva e attuale epoca della pellicola a colori. Siamo di fronte però ad un’inesattezza storica, ad un’opinione tanto diffusa quanto solo superficialmente corrispondente alla realtà storica. Infatti già nel cinema delle origini si parlò di colore, anzi di colorazione: gli stessi fratelli Lumiere, universalmente conosciuti come gli “inventori” del cinema, tinteggiarono qualche loro film grazie ad una certosina operazione a mano fotogramma per fotogramma.

Pellicole a colori incominciarono a essere prodotte con maggiore frequenza negli anni Quaranta per competere meglio con la televisione, allora solo in bianco e nero (e ancora non arrivata in Italia: la RAI comincerà le sue trasmissioni solamente nel 1954). A partire dall’inizio degli anni Settanta, invece il colore fu l’esclusivo protagonista cromatico del cinema mondiale ma negli ultimi quarant’anni si possono contare numerose eccezioni, molte delle quali illustri, che hanno riproposto il mai obsoleto e sempre affascinante bianco e nero. Le motivazioni sono le più varie. In alcune circostanze si tratta di scelte costanti nella filmografia di un regista: gli esempi sono quelli noti di David Lynch (Eraserhead e The Elephant Man), Woody Allen (Manhattan, Stardust Memories, Zelig, Ombre e nebbia) e Lars Von Trier  (Epidemic, Europa); in altri casi il bianco e nero fu utilizzato per ossequiare una corrente cinematografica (Intrigo a Berlino di Soderbergh, omaggio al noir anni Quaranta) o un personaggio (Ed Wood di Tim Burton); altre volte invece la scelta è stata imposta dal budget limitato. Quest’ultimo è il caso di Clerks: il regista Kevin Smith spiegò di averlo girato in bianco e nero a causa dei soli 27.575 dollari a disposizione. Nel caso in questione il bianco e nero regala comunque al film un affascinante stile documentaristico.

In un panorama inaspettatamente vasto, ecco i migliori lungometraggi in bianco e nero dal 1970 ad oggi secondo la discreta opinione de Il Disoccupato Illustre.

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NEBRASKA 

Settima pellicola diretta da Alexander Payne, la quarta ambientata in Nebraska, stato che ha regalato i natali al regista. Presentato a Cannes nel 2013 e osannato a gran voce dalla critica per l’interpretazione del protagonista Bruce Dern, vede nella mai abbastanza apprezzata prova di Jane Squibb la sua punta di diamante. Interamente girato in bianco e nero, narra la storia del vecchio Woody Grant (Dern preferito a Jack Nicholson, Bryan Cranston, Robert Duvall e Gene Hackman) che crede di avere vinto un milione di dollari e si mette in viaggio dal Montana al Nebraska per ritirare il premio, accompagnato dal figlio David (Will Forte) e dalla petulante moglie Kate. Uno dei migliori b/n degli ultimi anni, scelta azzeccata che ben si adatta all’umorismo malinconico e alla semplicità che avvolgono l’intera pellicola. Candidato a sei Oscar nel 2014, tra cui Miglior Film.

 

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IL NASTRO BIANCO

Palma d’oro a Cannes nel 2009 e candidato all’Oscar come miglior film straniero e per la migliore fotografia nel 2010, è ambientato in un villaggio della Germania settentrionale negli anni immediatamente antecedenti alla Grande Guerra dove incominciano a svolgersi eventi inspiegabilmente sinistri. Il film è girato in un bianco e nero senza ombre e senza alcun accenno di colore, in un’atmosfera dove il silenzio è un motivo dominante, interrotto solo da qualche nota di Schubert e pochi brani corali che non bastano a rompere la sottile aria che si respira per tutta la durata della pellicola.

 

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THE ARTIST 

Oscar per il Miglior Film nel 2012 (primo muto dal 1929) e film francese più premiato di tutti i tempi, è stato girato a colori per poi essere distribuito in bianco e nero per rendere a pieno l’epoca in cui è ambientato, quegli anni Venti che rappresentano la vigilia dell’avvento del cinema sonoro. Il contrasto tra muto e sonoro è il tema dominante del film nonché delle alterne vicende del protagonista, l’attore George Valentin (Jean Dujardin). Vanta riusciti omaggi a capolavori come Quarto Potere di Orson Welles e La donna che visse due volte di Alfred Hitchcock. Nel cast anche il talismano John Goodman, oltre agli ottimi James Cromwell e la co-protagonista Bérénice Bejo.

 

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TORO SCATENATO 

Secondo episodio della simbolica Trinità che vide collaborare Martin Scorsese e Robert De Niro tra  la fine degli anni Settanta e l’inizio degli anni Novanta, narra la vicenda dello scapestrato pugile Jake LaMotta (ancora in vita, oggi compie 94 anni) che raggiunse in breve tempo l’apice della boxe salvo poi cadere nel baratro sia dal punto di vista sportivo che personale. L’interpretazione di De Niro, divenuta leggendaria soprattutto per i monologhi in camerino, è unanimemente ricordata come una delle più profonde della storia del cinema e fu premiata con l’Oscar al miglior attore. Registicamente impeccabile e meticoloso, per questo si pensò che dovesse essere l’ultimo film di Scorsese e rappresentasse quindi il suo testamento artistico. Fortunatamente non è stato così. Nonostante tali sforzi, non vinse né per il Miglior Film né la Miglior Regia: Scorsese non la prese bene, come testimoniano le immagini della premiazione. Il bianco e nero mette in risalto crudezza e realismo delle vicende e, insieme all’intermezzo della Cavalleria Rusticana di Mascagni che accompagna i titoli e al sapiente montaggio di Thelma Schoonmaker, contribuisce all’epicità del film.

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Schindler's List, Oliwia Dabrowska

SCHINDLER’S LIST

Vi abbiamo parlato di questo film in tutte le salse possibili e non poteva che essere al vertice di questa classifica. Se poc’anzi si parlava di testamento artistico, non si esagera se un giorno si dovesse ricordare in tal modo questo film con riferimento alla poliedrica filmografia di Steven Spielberg, che con la sua opera ha ancora molto da dare alla settima arte. Questo titolo segnò il culmine del suo percorso nel cinema impegnato, iniziato con Il Colore Viola nel 1985, non prima di avere riscritto le sorti del genere fantascienza. È stato girato completamente in bianco e nero ad eccezione di quattro scene, compresa l’intera sequenza finale, ambientata nei giorni nostri. Detta scelta cromatica si pone in continuità con tutti i documentari sul triste tema dell’Olocausto e non toglie alla pellicola quel tremendo impatto emotivo che la contraddistingue. Primo film in b/n a rivincere l’Oscar per il miglior film nell’era del colore e anche il film in b/n più costoso mai realizzato.

Michael Cirigliano

1993. GLI SPIETATI: IL WESTERN PERFETTO DEL MAESTRO EASTWOOD

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Chi è il padrone di questo cesso?

Con questa epica frase William Munny (un Clint Eastwood in grande spolvero), ex assassino che ha rinnegato il proprio passato, si presenta nel saloon per uccidere lo sceriffo Little Bill Duggett (un crudele e convincente Gene Hackman), nonostante ciò voglia dire infrangere la promessa fatta alla moglie in punto di morte.

Il rapporto tra l’Academy e i grandi maestri si sa è sempre stato controverso. Eastwood, indiscutibilmente uno dei più grandi autori della storia del cinema (forse l’unico in grado di fondere così armonicamente classicismo e modernismo), non fa eccezione e deve aspettare il suo sedicesimo (!) film da regista per ricevere quel riconoscimento tanto agognato e meritato. L’unico vero antagonista de Gli Spietati (orrenda traduzione dell’originale  Unforgiven, letteralmente “coloro che non vengono perdonati”) nella corsa al Miglior Film era Scent of a Woman- Profumo di donna di Martin Brest che si accontentò della statuetta per il Migliore Attore Protagonista (uno straordinario Al Pacino che interpreta un cieco). Il film di Eastwood invece si portò a casa altri tre riconoscimenti (regia, attore non protagonista a Gene Hackman e montaggio), oltre al diventare il terzo western della storia del cinema ad aver vinto l’Oscar di miglior film, dopo I pionieri del West (1931) e Balla coi lupi (1990) di Kevin Costner. Ma chi sono in fondo gli “Unforgiven“? Forse lo è William Munny, che convive da sempre con il senso di colpa (tema centrale nella filmografia eastwoodiana) per il suo passato da bandito o probabilmente lo è Little Bill Duggett con la sua morte che non contempla alcuna catarsi. Il film non dà risposte certe ma, tra una sparatoria e un’esecuzione, ragiona sapientemente sul tema della violenza che è da sempre insito nella cultura americana. Un western crepuscolare che è probabilmente il migliore del suo genere. Capolavoro assoluto.

CURIOSITA’: Nei titoli di coda Eastwood inserisce una dedica particolare, “a Sergio e Don”, per ricordare i due maestri che lanciarono la sua carriera e che gli insegnarono ad amare il cinema: Sergio Leone e Donald Siegel

Francesco Pierucci

1972. IL BRACCIO VIOLENTO DELLA LEGGE: QUANDO FRIEDKIN RINNOVO’ IL POLIZIESCO

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Nel 1972, Il braccio violento della legge (titolo originale The French Connection) ottenne otto nomination e conquistò cinque statuette (Miglior Film, Regia, Attore Protagonista, Sceneggiatura non originale e Montaggio), trionfando su L’ultimo spettacolo di Peter Bogdanovich e soprattutto su Arancia Meccanica di Stanley Kubrick che avrebbe sicuramente meritato la vittoria quell’anno.Il soggetto prende spunto dal libro di Robin Moore, a sua volta ispirato ad un clamoroso sequestro di eroina realmente accaduto che vedeva implicata la malavita americana e marsigliese. Eddie Egan e Sonny Grosso, gli agenti realmente artefici dell’operazione , divennero consulenti tecnici per il film al quale parteciparono anche come attori con piccoli camei. Friedkin, regista straordinario e fresco Leone D’Oro alla carriera  a Venezia 70, è un maestro assoluto nel rinnovare i generi canonici del cinema (basti pensare all’horror con L’Esorcista o più recentemente al noir con Killer Joe): in questo caso la sua particolare visione del poliziesco (la labilità del confine Bene/Male, le riprese innovative come nella famigerata scena dell’inseguimento) darà vita,  assieme ad autori quali Coppola e Altman, a quel “nuovo cinema americano degli anni 70” che coniugava sapientemente realismo e spettacolarizzazione per raccontare i mutamenti della società. Altro merito della pellicola è quello di aver fatto scoprire definitivamente il talento di Gene Hackman che conquista un Oscar meritatissimo grazie al suo Jimmy Doyle. Il sequel diretto da John Frankenheimer è molto deludente.

 

CURIOSITA’: Fernando Rey fu ingaggiato per errore: il regista incaricò il casting di scritturare un attore visto in Bella di giorno di Luis Buñuel, ma in realtà aveva in mente Francisco Rabal

CURIOSITA’ 2: Nella celeberrima scena dell’inseguimento, le riprese più pericolose furono filmate direttamente dal regista, perché gli altri cameramen avevano tutti famiglia, a differenza di quest’ultimo, e non vollero rischiare. Inoltre, l’incidente automobilistico all’incrocio tra Stillwell Avenue e l’86° strada avvenne realmente, tra la macchina degli attori e un pendolare che si stava recando al lavoro, che fu risarcito

 

Francesco Pierucci