TOP 5 – I FILM CON PIÙ PAROLACCE

Ci sono film senza pretese artistiche che mirano a far ridere la gente solo con le volgarità (Natale in India, stracolmo di parole scurrili, la maggior parte sconclusionate e decontestualizzate), altri che non ne fanno utilizzo (i film del principe della risata Totò sono ancora oggi molto vantati anche per questa caratteristica, tant’è che è celebre la sua scenata per evitare di dire la famosa battuta “e ci si pulisca il culo” ne I due colonnelli), altri ancora che sono considerati capolavori della storia del cinema e che, per meglio descrivere una realtà, un costume o un uso e far immergere meglio lo spettatore nel mondo che si intende raccontare, ne fanno un uso spropositato. Ecco la classifica dei film con più parolacce (esclusi i porno) della storia del cinema:

 

5

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QUEI BRAVI RAGAZZI

300 tonde tonde le parolacce nel capolavoro di Martin Scorsese

4

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PULP FICTION

399. Che rientrasse in classifica il film di Tarantino nessuno lo metteva in dubbio; che fosse solo al quarto posto è una sorpresa.

3

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CASINÒ

Robert DeNiro, Joe Pesci, Sharon Stone e 435 parolacce.

2

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SUMMER OF SAM

435 parolacce nel film di Spike Lee sull’assassino di coppiette a Manhattan.

1

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THE WOLF OF WALL STREET

Solo nella prima ora supera gli altri film presenti in classifica; considerato che il film ne dura tre vince ampiamente la disputa. 506 “fuck” all’attivo per il gioiello di Scorsese (di sicuro il vero vincitore della classifica, tre su cinque dei film citati sono da lui diretti)

Matteo Chessa

 

TOP 5: I CINQUE FILM PREFERITI DI MARTIN SCORSESE

Martin Scorsese è forse il cineasta vivente che conosce meglio di tutti i differenti aspetti della cinematografia mondiale, da Andorra fino allo Zimbabwe. I suoi cinque film preferiti perciò presentano quale perla poco conosciuta al grande pubblico.

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FILM IN SALA – BLACK MASS

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Nell’immaginario collettivo i gangster movie vengono immancabilmente accostati a opere simboliche del genere: i film della trilogia de Il Padrino e i lavori di Martin Scorsese su tutti (in particolare quella mirabile opera d’arte che fu Quei bravi ragazzi, il cui mancato Oscar grida ancora vendetta). Il peso di tali mostri sacri viene probabilmente avvertito dal regista Scott Cooper che omaggia Scorsese in maniera quasi plateale: musica anni ’70, pestaggi sul retro dei locali, sparatorie da fuori il finestrino, sangue sui vetri delle auto e così via.

Rispetto ai lavori del regista italoamericano, la durata della pellicola in questione è minore, una pecca se si considera che alcuni eventi vengono riportati in maniera sbrigativa e soprattutto che viene tagliata la parte riguardante il personaggio di Catherine Creig (compagna storica di Bulger, che doveva essere interpretata da Sienna Miller) che ebbe un ruolo essenziale nella vita del gangster, soprattutto nella fase della latitanza.

Black Mass (il terzo lavoro da regista di Cooper) è stato presentato fuori concorso a Venezia 72, portandosi con sé tutte le evitabili diatribe da gossip sullo stato di forma dell’attore protagonista Johnny Depp. Evitabili perché già da una visione, anche superficiale, del trailer della pellicola, si comprende che tali repentine mutazioni fisiche siano dovute agli sforzi per rassomigliare al personaggio di James ‘Whitey’ Bulger.

Ed è attorno all’incredibile cavalcata (e rovina) di quest’ultimo, verso il controllo della città di Boston tra gli anni Settanta e Novanta del secolo scorso, che si sviluppa la storia,. Infatti James ‘Whitey’ Bulger alla fine degli anni Sessanta prese il comando dell’organizzazione criminale Winter Hill Gang, ai tempi “un pesce piccolo” (espressione più volte utilizzata nel corso del film) ma che poi, grazie alla sotterranea alleanza con la F.B.I. visto il comune obiettivo di debellare la mafia italiana, riuscì a guadagnarsi un ruolo dominante in tutta la capitale del Massachussets.

Il tema dell’alleanza tra potere criminale e polizia federale è la tela su cui vengono dipinti tutti gli eventi del film. Protagonisti di questo sodalizio sono lo stesso Bulger e John Connoly (Joel Edgerton), agente FBI disposto a tutto pur di guadagnare promozioni e influenza nella polizia americana. I due si conoscono sin da bambini e proprio questo trascorso comune fa sì che i due si fidino l’uno dell’altro dai tempi dei fasti, durati per anni, sino alla loro caduta. Interessante a riguardo può essere la riflessione su come l’alleanza con Bulger influenzi lo stile di vita di Connoly, soprattutto dal punto di vista dell’abbigliamento e del modo in cui cammina: una riuscita metafora che mette in luce come sia il criminale ad avere il coltello dalla parte del manico mentre il poliziotto, ritenendo erroneamente di avere la situazione sotto il proprio controllo e credendo sempre di rivoltare la situazione a suo vantaggio, in realtà è divenuto un criminale a tutti gli effetti.

Se quindi Johnny Depp é l’attore protagonista, una collocazione quasi simile è quella di Edgerton che è presente on screen per gran parte della pellicola. Ottima prova la sua, forse un trampolino di lancio definitivo per un attore che ormai ha superato i quarant’anni ma che finora aveva brillato solamente in Zero Dark Thrity e Warrior.

Ma il fiore all’occhiello del film, nel bene e nel male, è l’interpretazione di Johnny Depp, finalmente tornato a certi livelli dopo una decina d’anni di oscurità (in questa disastrosa parentesi salviamo ovviamente Sweeney Todd). Nel bene perché la sua prestazione è convincente per fascino e per intensità dei monologhi; nel male perché in certi tratti pare reciti da solo, anche perché coadiuvato dalle svariate inquadrature stampate sui suoi occhi di ghiaccio. In questo modo il personaggio pare, in alcune circostanze, eccessivamente enfatizzato. Cooper, sempre attento alla psicologia dei personaggi nei due precedenti lavori, questa volta invece focalizza l’attenzione in maniera troppo sfrenata sul personaggio di Jimmy.

Il resto del cast ruota intorno al noto attore non riuscendo mai a incidere veramente, bensì recitando in maniera a volte macchiettistica, non forgiando mai una vera chimica con il protagonista, fatta eccezione per Dakota Johnson (che interpreta la moglie di Bulger), che nonostante la sua fugace apparizione lascia una nitida impronta per tutta la pellicola.

Resta comunque un film che merita almeno una visione (soprattutto per chi non conosce la storia di Jimmy Bulger), reso interessante anche dalla regia gradevole, dalla realistica fotografia e dall’ottima colonna sonora. Ma difficilmente ne sentiremo parlare negli anni a venire.

Michael Cirigliano

SELMA-LA STRADA PER LA LIBERTA’ :MALE L’ESORDIO CINEMATOGRAFICO DI MLK

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Fresco di premio Nobel per la pace, Martin Luther King jr decide di marciare dalla cittadina Selma, Alabama, verso la capitale Montgomery assieme alla comunità nera riunita sotto i suoi ideali, al fine di convincere il titubante presidente Johnson a rivedere la legge sul diritto di voto per i neri americani spesso abusata nella maggior parte degli stati del Sud USA. Vengono fatti tre tentativi, il primo bloccato violentemente (King non era presente per motivi familiari) in diretta tv, il secondo (con un gruppo più vasto che aveva visto unirsi molti religiosi e bianchi che appoggiavano i diritti dei marcianti) interrotto dallo stesso King per paure di trappole durante il cammino, il terzo, appoggiato dalla legge, vincente.

Parla di questo fatto storico Selma – La strada per la libertà, quarto lungometraggio della regista statunitense Ava DuVernay al suo primo titolo importante, attesissimo esordio sul grande schermo di Martin Luther King jr ancora mai rappresentato da nessuna pellicola (tolte le sporadiche e inconsistenti apparizioni in altri prodotti, non ultimo The Butler). L’interessante intento, riuscito, della regista di demitizzare la figura del leader pacifista per mostrarcelo dubbioso, spaventato, demagogico, distanziato, non è purtroppo accompagnato da una sceneggiatura interessante che trattenga l’attenzione dello spettatore per 128’. Troppa poca storia per un film storico (tutt’al più la si da per scontata),la sottotrama matrimoniale non è abbastanza forte da reggere il confronto con la trama principale nonostante sia importante per mostrarci le fragilità del protagonista; inoltre alcune scene sono veramente ridicole e mal girate, su tutte la parentesi in tribunale. Monotono, scialbo, senza alcun cambio di marcia , ha come maggior difetto la troppa differenza di bravura attoriale tra David Oyelowo, che interpreta il dottor King in maniera a tratti imbarazzante per la pochezza di spessore (anche se gli assomiglia incredibilmente), e i vari Tom Wilkinson (Johnson), Tim Roth (Wallace, governatore dell’Alabama), Cuba Gooding Jr (che si vede poco ma convince più del protagonista). Oprah Winfrey, attrice ma soprattutto produttrice del film, vantò apertamente Oyelowo un anno fa al David Letterman Show, durante la presentazione di The Butler in cui interpreta il figlio maggiore del maggiordomo (quello che sta antipatico a tutti), scommettendo sul suo futuro roseo. Come Charles Foster Kane che sperperò soldi in teatri lirici per “cancellare le virgolette dei giornali che etichettavano ballerina sua moglie”anche lei è disposta a dilapidare un patrimonio intero pur di riuscire nell’impresa dichiarata. Per ora la sta perdendo miseramente. Peccato, è pieno di straordinari attori giovani e afroamericani.

Matteo Chessa

RIMPIANTI DA OSCAR –TORO SCATENATO: DATE A MARTIN QUEL CHE E’ DI MARTIN

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Nella notte degli Oscar una delle attività più svolte dal pubblico a casa è il cercare, guardando il volto dei candidati alla vittoria della statuetta, di notare le loro espressioni e le loro reazioni dopo la nomina del vincitore per notare i sentimenti contrastanti. Tra le tante è indimenticabile, soprattutto per noi italiani, quella di Roberto Benigni che, al grido della Loren, si alzò in piedi e cominciò a camminare sui seggiolini trasportato sino al palco dalle mani degli ospiti che ne approfittavano per congratularsi con lui. Al primo posto però non può non esserci il grande Martin Scorsese che nel 1981 dovette subire una dura sconfitta portando a casa solo due statuette su otto alle quali era candidato il suo Raging Bull ( Toro Scatenato) autentico capolavoro del regista newyorkese. Quell’anno la vittoria del miglior film andò a Ordinary People di Robert Redford, che si aggiudicò anche la statuetta come miglior regista. A distanza di anni però pare lecito dire che la pellicola di Scorsese meritava sorte migliore. Sceneggiato da Paul Schrader e Mardik Martin, che s’ispirarono alla sua autobiografia, è la storia del campione mondiale dei pesi medi Jake La Motta, della sua ascesa ai massimi livelli del pugilato e della sua distruzione. Una parabola discendente che porterà quest’uomo a vendersi per perdere un incontro e a ritrovarsi come gestore di squallidi night club. L’interpretazione di De Niro è eccezionale, caratterizzata da un’immedesimazione perfetta del personaggio che lo porterà a prendere lezioni di boxe in segreto da La Motta ( tant’è che lo stesso pugile ammise che l’attore sarebbe stato pronto per lottare seriamente), a rompere le costole a Joe Pesci in una scena del film ma soprattutto a ingrassare ben trenta chili per interpretare la fine del “Toro del Bronx”, interpretazione che gli consentirà di vincere a mani basse l’Oscar come miglior attore. Le immagini sul ring non sono numerose ma sono fredde e crude, anche per merito di Thelma Schoonmaker, vincitrice dell’Oscar per il montaggio (e recentemente premiata a Venezia per la sua splendida carriera), e della stupenda fotografia in bianconero di Michael Chapman. Unica spiegazione per  il Miglior Film mancato può essere che pochi anni prima trionfò un altro film incentrato sul mondo della boxe, Rocky. Ciò non basta a motivare la sconfitta perché Toro Scatenato è ben più di un semplice film sul pugilato, è una pellicola che mostra la facilità che l’uomo ha nell’autodistruggersi, tema immortale e mai datato che trova nel film di Scorsese la sua più aulica realizzazione.

Nicola Chessa

UN REGISTA TRE FILM: MARTIN SCORSESE

Lo so, lo so, può sembrare una blasfemia. Solo 3 film??? Impossibile! Come darvi torto? Visto che la filmografia di Martin Scorsese è quasi perfetta, ho deciso di selezionare tre pellicole per me straordinarie, e che magari sono meno conosciute rispetto alla Trinità composta da Taxi Driver, Toro scatenato e Quei bravi ragazzi. Siete pronti? Via!

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THE DEPARTED

Di The Departed ne ho parlato diverse volte. Potete trovare un articolo qui. Probabilmente meno riuscito rispetto all’originale Infernal Affairs, questa mi è rimasta nel cuore per una serie di motivi: dall’interpretazione di Nicholson, ai continui colpi di scena passando per la colonna sonora. Forse non è uno dei film migliori del regista americano ma per me rappresenta un’opera tanto imperfetta quanto magnifica.

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RE PER UNA NOTTE

Un lato poco conosciuto del maestro Scorsese, lo vede estremamente capace nell’orchestrare commedie grottesche. Nell’arco di tre anni (1983-1985), prima con Re per una notte e poi con Fuori Orario, il buon Martin riscriverà il genere (entrambi furono insuccessi clamorosi al botteghino). Credo che non si parli mai abbastanza dell’importanza di questo film che vede DeNiro nel ruolo di un aspirante comico e che affronta la smania del successo e la pazzia che comporta l’insuccesso come solo poche altre opere hanno saputo fare. Da recuperare assolutamente.

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L’ETA’ DELL’INNOCENZA

Quando penso a un regista con la R maiuscola, penso a Martin Scorsese e quando penso a un film girato da Scorsese penso a L’età dell’innocenza. Perché? Perché credo rappresenti il suo testamento artistico. E’ un film registicamente perfetto: la messa in scena è straordinaria, la cura del dettaglio è maniacale, i movimenti di macchina sono leggiadri e l’equilibrio delle inquadrature è sorprendente. Scorsese è IL regista tanto quanto Scorsese è IL cinema. E qui si diverte mostrando tutto il suo immenso talento.  Se dovessi consigliare una sua pellicola da vedere ad aspiranti videomakers, consiglierei senza dubbio questa.

 

Francesco Pierucci

2007. THE DEPARTED: QUANDO L’ACADEMY SI RICORDO’ DI MR. SCORSESE

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Esiste un momento nella storia in un anno particolare, in cui improvvisamente l’Academy rinsavisce e si accorge di aver ignorato per anni un maestro della settima arte che meriterebbe ogni anno l’Oscar alla carriera: così come era successo con John Wayne per Il Grinta, l’allegra congrega si ricorda di dover premiare un signorotto italoamericano di nome Martin Charles Scorsese, che avrebbe già dovuto omaggiare per una serie infinita di capolavori (o perlomeno per l’incredibile lavoro registico relativo a L’età dell’innocenza) ma che invece attribuisce a un film Minore (con la M maiuscola). The Departed (nell’anno dello splendido Little Miss Sunshine) porta a casa oltre il premio della regia, anche miglior film, sceneggiatura non originale e montaggio all’incredibile Thelma Schoonmaker. L’opera del regista di Quei Bravi Ragazzi è un remake del film hongkonghese Infernal Affairs che lo ricorda nella trama ma si differenzia per alcune sfumature stilistiche (l’atmosfera generale, le scene di violenza, le scenografie urbane).  Al centro tra poliziotti e criminali, tra spionaggio e controspionaggio, si staglia il tema dell’identità e soprattutto della sua perdita, che influenza inevitabilmente le azioni del trio magico di protagonisti (DiCaprio, Demon, Nicholson).  Da segnalare l’energetica Shipping up to Boston dei Dropkick Murphys nella sequenza dell’allenamento in prigione in cui Scorsese si autocita per il lavoro di Capefear- Il promontorio della paura. Scorsese non fa mai brutti film.

CURIOSITA’ 1: Nel film, Scorsese pone una ‘X’ nei pressi di chiunque stia per morire, un riferimento a Scarface – Lo sfregiato di Howard Hawks.

CURIOSITA’ 2: Al termine del film, dopo il funerale di Costigan, Madolyn passa davanti a Sullivan che le parla senza degnarlo di uno sguardo, come Alida Valli nel finale de Il terzo uomo di Carol Reed.

 

Francesco Pierucci